Naite

A pesar de que una de las preocupaciones del autor es el movimiento lo cierto es que en este caso se trata de un dinamismo congelado, la obra no llega a moverse. A ver nos explicamos y para entendernos (nada de poner en ningún examen): el atleta está posando, no ha sido captado realizando un movimiento o un esfuerzo real, se queda quieto para salir en la "fotografía". No obstante hay que tener en cuenta el material utilizado por Mirón, el bronce, el cual centellea y sobre él resbala la luz con lo que se acentuaba el dinamismo. La sensación de movimiento congelado es, en buena parte, fruto del tratamiento de los músculos, algo planos y sin tensión. De la misma manera que en el Auriga de Delfos hallábamos una contradicción entre el rostro y el momento plasmado, aquí ocurre lo mismo: un rostro inexpresivo que "choca" con el momento de máximo esfuerzo físico, justo el lanzamiento del disco. Esa inexpresividad se ha explicado en
la búsqueda del reflejo del equilibrio emocional (ethos)

3.3.2. El Clasicismo Pleno (segunda mitad del siglo V a. de JC.).
Mirón es el broncista que marca el paso del Estilo Severo al Clasicismo Pleno. Se centra en los atletas, intentando reproducir la realidad y captar el movimiento. Una de sus obras más famosas (y de toda la Historia de la escultura) es el Discóbolo, la cual conocemos gracias a una copia romana en mármol, aunque el original era en bronce. Es cierto que la temática es el héroe Hyakihos que murió cuando arrojaba el disco, pero no nos dejemos engañar, en esencia es la primera obra en la que el auténtico protagonista es el Hombre, el ser humano en sí mismo, no es la representación antropomorfa de un dios, ni un exvoto. La composición es muy atrevida, combinando lo curvilíneo del arco de los brazos con las líneas quebradas de las piernas, con ello consigue multiplicar los puntos de vista.

Este ambiente de calma es un anuncio de lo que será el ethos (hqos) clásico. Todavía, como buena obra severa, hay cierta rigidez (las líneas del vestido son muy verticales y geométricas) y frontalismo mas se rompe algo la simetría: la cabeza está mínimamente ladeada y sujeta las riendas con una mano. De todos modos, dicha geometría sigue teniendo un gran peso (fijémonos en el mencionado vestido), con una cabeza perfectamente esférica, con un cabello peinado de tal manera que se pega al cráneo, no oculta su esfericidad: es la identificación entre la perfección geométrica por excelencia (la esfera) y la perfección del ser humano (dirigido por la razón, por la cabeza).

Esculturas de este momento son el Efebo de Kritios, del 500 a. de JC., marca la transición entre el arcaico y el severo), las de los templos de Afaia en Egina (con la temática de las Guerras Troyanas) y de Zeus en Olimpia (Centauromaquia y los trabajos de Hércules), los relieves del Trono Ludovisi (donde hallamos uno de los primeros ejemplos de paño mojado) y los bronces entre los que destaca el Auriga de Delfos. En esta última obra ya aparece el pelo corto y rizado a la par que carece de "sonrisa arcaica". Es cierto que en líneas generales no existe una gran expresividad, aunque sí se aprecia una sensación de amabilidad y serenidad (lo que supone una contradicción con la acción que está realizando, pues está dirigiendo una cuadriga).

No encuentro nasri en el documentuo, pero shi te refieres al nazarí, shui =D

TE QUIEROOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO ^_^

- Por un lado comienza a romperse la frontalidad;
- por otro lado hay un mayor movimiento; y
- se consigue una mayor cohesión e integración de las diversas partes del cuerpo, se supera la escultura arcaica la cual se construía a partir del principio acumulativo.
Con todo esto, la estatua severa está dotada de un mayor naturalismo, de más vida. Ahora bien, el clasicismo pleno no ha llegado todavía y reminiscencias arcaicas persisten, como puede ser la rigidez, la geometría y las formas cerradas.
La temática continúa siendo humana aunque se producen cambios en los kouroi como pueden ser el cabello corto y rizado (frente al largo y con tirabuzones del arcaico) así como la desaparición de la sonrisa arcaica.

3.3. La escultura clásica (V-IV a. de JC.).

Arranca con el establecimiento de la democracia en Atenas con las reformas de Clístenes (510-507 a. de JC.), a partir de este momento el arte tenderá hacia un mayor naturalismo.

3.3.1. El Clasicismo Temprano o Estilo Severo (primera mitad del siglo V a. de JC.).
Paulatinamente veremos como los arcaicos kouroi van adoptando posturas más relajadas, más naturales perdiendo rigidez. Prueba de ello es el inicio del contraposto, esto es el juego de pesos y contrapesos; con otras palabras, algunas partes del cuerpo están en tensión y/o movimiento mientras que sus simétricas están en reposo. Con este recurso se consiguen varias cosas:

Por su parte la koré es el equivalente femenino del kouros. De todos modos hay notables diferencias como es el hecho de que la koré aparece vestida. Que el desnudo femenino sea tardío es debido a que el ideal femenino se asocia a un atuendo digno, de ahí la preocupación en el tratamiento del vestido y del cabello.
Las korai más antiguas están vestidas con el peplo dórico, donde existe un predominio de líneas verticales que caen simétricamente y una clara ausencia de pliegues, sin intuir el cuerpo que hay debajo. A mediados del VI a. de JC. surge el vestido jónico, ya elaborado en lino (frente a la lana del peplo) lo que permite una multitud de pliegues y la asimetría.

El Período Arcaico (VII-VI aC).
Es ahora cuando aparecen los primeroskouroi. Se constata la influencia egipcia en aspectos como el hieratismo, la frontalidad, la geometría (lo que les otorga una gran tensión), los brazos caídos pegados al cuerpo, los puños cerrados y el adelantamiento de la pierna izquierda. Ahora bien, las diferencias también son significativas: ya se trata de esculturas plenamente exentas que no precisan apoyo posterior a la par que aparecen desnudos.
De momento el tratamiento de la anatomía es precario como se puede apreciar en las rodillas (excesivamente trabajadas y muy geométricas) y en los músculos y huesos los cuales están sin moldear, trabajados a modo de relieve. Incluso aparecen desproporciones, con pies y manos grandes.
A partir de mediados del siglo VI aC comienza a buscarse un mayor naturalismo, para lo cual se intenta la introducción de un cierto movimiento y sobremanera insuflar vida a la estatua mediante la sonrisa, es la denominada sonrisa arcaica.

3.1. El Período Orientalizante o Escuela Dedálica.
Esta escuela se desarrolla en Creta entre finales del siglo VIII y mediados del VII a. de JC. Se realizan estatuas pequeñas y de carácter votivo, presentando claras influencias orientales, en concreto egipcias. Así llaman la atención por su geometría con torsos y rostros triangulares. Las cinturas son bastante altas presentando en líneas generales unos cuerpos aplanados, carentes de sentido volumétrico y con desproporciones (pies grandes). Una de las obras más conocidas es la Dama de Auxerre (aproximadamente del 650 a. de JC.), siendo ésta una de las primeras obra estatuaria realizada en piedra que se conserva completa.

En cuanto a la periodización es la siguiente:
- Período orientalizante o Escuela Dedálica, siglos VIII y VII a. de JC.
- Período Arcaico, VII-VI a. de JC.
- Período Clásico, V y IV a. de JC. subdividido a su vez en:
a.- Primer clasicismo o Estilo Severo, primera mitad del siglo V a. de JC.
b.- Clasicismo Pleno, segunda mitad del siglo V a. de JC. donde nos encontramos a autores como Mirón, Fidias y Policleto.
c.- Segundo clasicismo, Clasicismo Tardío o Estilo Post-Clásico, IV a. de JC., con Praxíteles, Lisipo y Scopas.
- Helenismo, III-I a. de JC.

El tema que se repite constantemente es la figura humana, sobre todo la masculina (Kouros, del griego , en plural kouroi), pero también femenina (koré, , en plural korai)*. Como no podía ser de otra manera se intenta plasmar a un hombre perfecto, bello; esto es, es la búsqueda de la proporción y armonía pero ahora del cuerpo humano. Con otras palabras, el kouros es una estatua figurativa idealizada. Para conseguir esa proporción y armonía es preciso utilizar un módulo, en este caso se habla de canon: regla de proporciones humanas conforme al tipo ideal, lo que se toma como referencia será la cabeza. Son obras realizadas en mármol o bronce, si bien es cierto que buena parte de la estatuaria griega la conocemos gracias a las copias romanas.
* En sentido estricto, solamente podemos definir como kouroi y korai las estatuas griegas de época arcaica que representan a jóvenes masculinos y femeninos respectivamente, intentando plasmar el tipo ideal de belleza.

3. La escultura griega.
La escultura será la manifestación artística griega por excelencia, tal es así, que podemos decir que será la referencia en la evolución escultórica posterior. La estatuaria romana, renacentista, barroca, neoclásica, incluso la románica y contemporánea, tendrá en mente el trabajo griego bien para seguirlo o para traicionarlo. Por otro lado no debemos olvidar el carácter escultórico de la arquitectura helena, muestra de la concepción artística del pueblo que nos ocupa.

Bueno pues te he puesto el arte visigodo al completuo xD Ahora te pongo la escultura griega, supongo que también la quieres enterua =D

TE QUIEROOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO =)

–y otras muchas obras de orfebrería visigóticas- se inspiran claramente en modelos bizantinos, como otros ejemplos repartidos por todo el Mediterráneo: Turquía, Chipre, Egipto… La relación entre los bizantinos y los visigodos fue muy directa, ya que algunas regiones del sureste de la Península Ibérica estuvieron ocupadas por los ejércitos del emperador Justiniano. Y en todo caso, Bizancio constituía un referente cultural en toda Europa y una forma de imitación imperial, objetivo que los reyes visigodos siempre tuvieron en mente.

Hay zafiros y perlas mezclados con cuarzos e incluso trozos de vidrio. El aro principal cuelga de cuatro cadenas con eslabones en forma de hojas caladas y, a su vez, del citado aro cuelgan 22 letras en las que puede leerse: “Recesvinthvx rex offeret” (“Ofrecida por el rey Recesvinto”). Del centro cuelga una cruz con gemas y que probablemente no pertenece a la obra original, paree un broche añadido posteriormente. Lo cierto es que aunque suele decirse que la orfebrería es una de las manifestaciones más originales del arte visigodo lo cierto es que esta corona

3.- La orfebrería (visigoda).
Es la otra gran manifestación artística de los visigodos, destacando la elaboración de fíbulas o hebillas o broches de cinturón circulares o rectangulares o en forma de águila con vidrios de colores incrustados, y las coronas votivas utilizadas para colgar en los altares y que los reyes entregaban el día de su coronación. Destacan las coronas votivas de Suintila y Recaredo halladas en el Tesoro de Guarrazar, aunque la primera despareció en 1921 (robada) y nunca más se supo de ella. La de Recesvinto está elaborada con cristal de roca, oro, perlas, esmeraldas y zafiros; La corona está compuesta por un aro de oro liso en el interior y profusamente decorado al exterior con motivos vegetales repujados, calados e incrustaciones de pedrería. Las piedras van engastadas en el propio metal y no están apenas trabajadas, son de tamaño y forma irregular ofreciendo un aspecto rudimentario.

Bueno monoshua, lo que te puse fue todas las épocas esas de los moros, y de los visigodos, te puse los dos primeros apartados enteros, la introducción y la arquitectura. Shi quieres muás me lo dizues, el próximo apartaduo es la orfebrería ^_^ (es cortuco creo)

TE QUIEROOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO =)

De todas maneras el principal elemento sustentate continua siendo el muro, de sillar labrado, macizo y con pocos y pequeños vanos, resaltando las minúsculas ventanas de los ábsides cerradas con celosía.* Las cubiertas eran planas para las naves y de bóveda de cañón para los ábsides pero generada por el arco de herradura que para los separaba del resto del templo. Respecto a la decoración sobresale la de los capiteles de las columnas –imitaciones más o menos afortunadas del orden corintio- y la de las impostas más próximas a los capiteles y los frisos que recorren los muros; en este caso ya se trata de una decoración puramente visigótica de círculos entrelazados y tallos ondulados.
* Elemento arquitectónico decorativo consistente en un tablero calado para cerrar vanos, que permite pasar la luz y el aire.
Además de estos ejemplos mencionados también destacan otras iglesias visigodas como Santa Comba de Bande (Ourense) y Santa María de Quintanilla de las Viñas (Burgos).

El otro ejemplo reseñable es el de San Juan de Baños en Palencia. Las sucesivas reconstrucciones y restauraciones han distorsionado la estructura original del edificio y nos centraremos en su disposición original. Así presentaba una planta basilical de tres naves –la central ostensiblemente más alta que las laterales- y tres ábsides cuadrados e independientes en la cabecera, siendo el central el único que queda de la época. Estos tres ábsides independientes se explican mediante una posible triple advocación del templo. A los pies del edificio existe un pequeño pórtico con arco de herradura y coronado por una espadaña ya del siglo XIX. La nave central está separada de las laterales mediante arcos de herradura visigodos que apoyan en columnas de mármol de orden corintio, aunque sólo uno es puramente romano –técnica del material prestado, típica de los visigodos y del arte prerromano- y el resto son imitaciones de época visigoda.